15 großartige Albumcover, ausgewählt von Eric Heiman von Volume Inc.

Ohne Albumcover wäre ich schlicht und einfach kein Designer. Versuchen Sie nicht einmal, meine Aufmerksamkeit zu fesseln, wenn ein Plattenladen in Sichtweite ist. Okay, CDs klingen besser, aber die Größe und das Gefühl eines Vinylalbums und seiner Hülle … mmm, 12-Zoll-Schallplatte, ich liebe dich.

Bei meinen Lieblingshüllen geht es jedoch immer noch um die Musik. Form und Inhalt. Vaughan Oliver (RIP) und seine Kollegen bei V23 stehen auf meiner Liste der Lieblingsdesigner, aber es gibt hier nur ein 4AD-Album, und V23 hatte nichts damit zu tun. Zuerst der Mensch, dann der Designer.

Ich bin auch alt genug, dass ich wirklich 15 Picks brauche, um diese Geschichte zu erzählen.

Der DNA-Quellcode für diese Liste stammt von Blue Note Records und den Hüllen, die Reid Miles in den 1950er und 60er Jahren für das Unternehmen entworfen hat. Mein Vater war ein begeisterter Bebop-Jazz-Fan und besaß zahlreiche Blue Note-LPs. Eine meiner frühesten Erinnerungen ist, dass ich in unserem Familienzimmer war und mein Vater voller Freude Saxophon spielte, während sich die Musik auf dem Plattenteller drehte, auf dem Kaminsims darüber das Albumcover. Ich könnte allein eine ganze Kolumne über Miles' Blue Note-Arbeit erschöpfen, aber Right Now! ist der Augenwurm, an den ich mich aus dieser Kleinkindzeit am meisten erinnere und den ich am meisten schätze. Das 12-Zoll-Quadrat kann es kaum fassen. Am Ende des Titels braucht man fast zwei Ausrufezeichen.

Die Beatles (The White Album) und Sgt. Pepper sind die üblichen Fab-Four-Sleeve-Picks, aber keiner hat die besondere Aura von Revolver. Nachdem ich im Urlaub, um ihn auf Maui zu besuchen, im Rabbit-Cabrio meines Onkels eine abgenutzte Kassette zu den Beatles durchgeblättert hatte, schenkte mir meine Tante (von der anderen Seite der Familie) ein paar ihrer alten Beatles-LPs, darunter auch Revolver. Wenn „Revolver“ als der größte kreative Wendepunkt in der Musik der Beatles gilt, geschah derselbe Sprung mit dem Cover-Design. Die Band ist immer noch auf der Titelseite abgebildet, aber durch eine kaleidoskopische Collage aus Fotografie und Illustration – erstellt von einem Kumpel der Band, Klaus Voormann –, die die umwerfende Audiokunst im Inneren widerspiegelt. Ein alternativer Albumtitel könnte The Beatles Through the Looking Glass sein. Allein dieses fein geschminkte Haar ist ein Wunderland.

„Ghost in the Machine“ ist die Zeit, in der es für die Polizei dunkel wurde – im übertragenen Sinne mit Songs wie „Invisible Sun“ und „Secret Journey“ und im wörtlichen Sinne mit dem Song „Darkness“ und diesem Cover. Das von Mick Haggerty und Jeffery Ayeroff entworfene, vom digitalen Wecker inspirierte Bild war zunächst verwirrend. Lag es daran, dass es drei Bandmitglieder gab? War es eine halb satanische Anspielung? Wo war der „Geist“? Erst Jahre später, als jemand darauf hinwies, dass es sich tatsächlich um Gesichter handelte, Stings stacheliges Haar und alles, ergab das einen Sinn. Und selbst wenn man das jetzt weiß, strahlen diese abstrakten Porträts immer noch einen Hauch von Geheimnis aus, der die eigenwilligste Musik, die die Polizei in ihrer kurzen Karriere gemacht hat, wirkungsvoll ergänzt.

Moment, diese Alben heißen alle Peter Gabriel? Cool. Der groovige typografische Käfer, der nur aus Kleinbuchstaben besteht und auf jedem Album an der gleichen Position in der oberen linken Ecke platziert ist? Noch cooler. Aber dieses schmelzende Gesicht? (Denken Sie daran, das war vor Photoshop.) Killer. Was auch immer Sie über Peter Gabriels Musik denken, er hat mit seinen ersten drei selbstbetitelten Albumcovern, die alle von Hipgnosis entworfen wurden und abwechselnd Car, Scratch, Melt heißen, eine kleine visuelle Mythologie geschaffen. Aber erst mit 3/Melt ging Gabriels musikalische Vision wirklich über seine frühere Zeit als Anführer von Genesis hinaus. Die Auftaktsingle und das Video zu „Games Without Frontiers“, die ich zum ersten Mal auf MTV sah, waren für dieses Vorstadtkind der frühen 1980er-Jahre absolut verrückt, und die Musik und das Cover von 3/Melt hielten dieses Versprechen. Es ist, als würde Gabriel sagen: „Meine Metamorphose ist endlich abgeschlossen.“ Vergessen Sie So und das von Peter Saville gestaltete Cover. Dies ist Gabriels Meisterwerk, Musik und Coverkunst.

Ich habe immer behauptet, dass das fehlende Bindeglied zwischen dem raffinierten Cover-Design der in Großbritannien ansässigen Post-Punk- und New-Wave-Bands der 1980er-Jahre und dem eher schäbigen Albumcover der 1990er-Jahre-Indie-Rock-Bands wie Pavement, Guided By Voices und Bonnie „Prince“ besteht „Billy ist das IRS-Label REM, das zwischen 1982 und 1987 Alben und eine EP veröffentlichte. Alle von Leadsänger Michael Stipe in Zusammenarbeit mit verschiedenen Mitarbeitern entworfenen Hüllen verbanden die hohen künstlerischen Ambitionen von Designern wie Peter Saville und Vaughan Oliver mit dem handwerklichen DIY-Geist von Punkrock, verkörpert durch Jamie Reids Arbeit für die Sex Pistols. Stipe stützte sich auf die surrealen und gotischen Facetten des amerikanischen Südens, wo die Band gegründet wurde, und schuf Kunst, die so elliptisch und geheimnisvoll war wie seine Songtexte.

„Lifes Rich Pageant“ ist mein Favorit – Album und Cover. Tut mir leid, Murmur-Akolythen. Ist das die obere Gesichtshälfte von Schlagzeuger Bill Berry? Ist es Life's oder Lifes? Haben sie den Apostroph vergessen? Egal, es dauerte Monate, nachdem ich die Platte gekauft hatte, bis mir die Büffel wirklich auffielen. Warum sind die Lieder auf der Rückseite nicht in der richtigen Reihenfolge? „Magnete vergraben. Die Verzückung schlucken?“ So viele Fragen – und das war der Punkt. Sie waren es, die REM in den Anfangsjahren der Band bei so vielen von uns beliebt machten. Aber ich hätte die Fragen nicht einmal gestellt, wenn ich nicht von Anfang an so begeistert von der Optik gewesen wäre.

Ich bin spät zu New Order und Joy Division gekommen. Ich hatte „Blue Monday“ im Hintergrund auf High-School-Partys gehört, aber erst auf dem College und der Veröffentlichung von „Substance“, der ersten Single-Compilation von New Order, gelangten sie in meinen musikalischen Bann. „True Faith“ war der einzige neue Titel aus dieser Sammlung und ist immer noch mein Lieblingssong von New Order. Substance hat auch ein ikonisches, von Peter Saville entworfenes Cover, aber ich schätze seine Arbeit für „True Faith“ mehr. Während das Design von „Substance“ völlig undurchsichtig und porzellankühl ist und einen auf Distanz hält, ist „True Faith“ – Lied und Ärmel – eine sehnsüchtige, melancholisch-blaue Umarmung.

Für uns Menschen aus West-Pennsylvania war Kalifornien das gelobte Land der Wildnis und des Unheimlichen. Aber ich habe mich weder vor noch nach meinem Umzug dorthin in die prototypische Hippie-Psychedelik-Kultur eingelebt. Die Musik von The Grateful Dead langweilt mich wahnsinnig, und die damit verbundene visuelle Kultur – Batik, Poster von Victor Mocosco – hat sich im besten Fall in langweilige Nostalgie, im schlimmsten Fall in müden Kitsch verwandelt.

Camper Van Beethoven ist anders. Als gebürtige Kalifornier haben sie diese Einflüsse sicherlich absorbiert, sie aber durch einen anarchischen Wild-West-Captain-Beefheart-Post-Punk-Kanal geleitet. Für das „Sweetheart“-Cover hat Bruce Licher von Independent Project Press eine eigenwillige Mischung aus Americana, westlichem Mythos und osmanischer Mystik (?) geschaffen, die die nahezu perfekte, eklektische Liederfolge darin ergänzt. Virgin Records hat sich sogar für das edle ungestrichene Papier und die registrierte Prägung entschieden! Wer sagt, dass große Labels immer scheiße sind? Leider sind die Virgin-Alben von Camper aufgrund eines Streits zwischen dem Label und der Band immer noch nicht zum Streamen verfügbar. Also... vielleicht sind sie doch scheiße.

Der Designer Barney Bubbles hatte mit Elvis Costello über sieben LPs einen Spitzenerfolg. Diese beiden sind meine Favoriten. Werde glücklich!! wurde von der R&B- und Soulmusik der 1960er Jahre beeinflusst. Das Schlafzimmer erinnerte an die Beatles, Phil Spector und sogar an Tin Pan Alley. Wie Costellos Musik würdigen auch die Designs von Bubbles das Ausgangsmaterial, gehen aber über bloße Pastiches hinaus und stammen aus ihrer zeitgenössischen New-Wave-Zeit. Das Cover von Happy!! ist eine Stax-LP mit einer Geschwindigkeit von bis zu 78 U/min, das Cover von Bedroom zeigt, wie Picasso noch ein oder zwei Jahrzehnte lebte und versuchte, Post-Punk zu werden. Traurigerweise verdeckte Bubbles‘ überschwängliche Arbeit eine dunkle Depression und er beging 1983 Selbstmord.

Das könnte mein Lieblingsalbum aller Zeiten sein. Allein das Sampling ist überwältigend, aber wer nach dem Anhören dieser Platte nicht lächelt, ist innerlich tot. Und wenn Sie nicht über Ihre Designschul-Indoktrination hinwegsehen und sehen können, wie perfekt dieses Jolly Rancher-Cover zur Musik von 3 Feet High passt, sind Sie für mich tot. (Art Direction: The Grey Organization)

Dead Can Dance war für mich die erste 4AD-Band, die sich wirklich angemeldet hat. Mir gefielen die Throwing Muses, die Breeders und die Pixies ganz gut – bei meiner 4AD-Auswahl hätte ich mich fast für Surfer Rosa entschieden –, aber DCDs herrlich apokalyptische Musik aus dieser Zeit hatte für einen ängstlichen, sensiblen College-Jungen wie mich etwas mehr Reiz. In den späten 1980er und frühen 1990er Jahren waren ihre Alben nur auf Import-CDs erhältlich und schwer zu finden. Aber es gab einen winzigen Laden im zweiten Stock in Pittsburgh, der eine große Auswahl an coolen Sachen anbot, darunter eine kleine CD-Auswahl, die alle fünf damals erhältlichen DCD-Import-LPs enthielt. Selbst auf der CD war das Cover von Spleen and Ideal immer noch faszinierend, da das Foto von Colin Gray auf zwei Drittel der Größe geschrumpft und von einem düsteren, marmorierten Grün umrahmt war und die dunklen Botschaften der darin enthaltenen Musik perfekt einfing. Ich bin froh, dass die Vinylversion, die ich seitdem gekauft habe, dieses beeindruckende Bild auf die volle Größe vergrößert, aber musste die Typografie so schlecht ausgeführt sein? Vielleicht einfach für die nächste Neuauflage auf die Rückseite legen?

Tom Waits zum ersten Mal in seiner Blütezeit bei Island Records zu hören, ist erschütternd. Die Stimme, die Instrumentierung und die surrealen Geschichten, die er erspürt, klappern und klirren und erschaffen eine ganz eigene, von Gin getränkte, unterdrückte Welt. „Rain Dogs“ mag von Song zu Song ein stärkeres Album sein, aber die Aura von „Franks Wild Years“ ist seltsamer und verführerischer. Das Cover hilft dabei – eine Fotocollage, die halb Vintage, halb zeitgenössisch, ganz im Noir-Stil und dunkel wie die Nacht ist. Waits wirft einen schiefen Blick auf uns, als wollte er sagen: „Gib alle Hoffnung auf, alle, die hier eintreten. Aber wenn du doch reinkommst, trink etwas.“

Seit ich den Eröffnungsrefrain von „The Brothers Gonna Work It Out…“ aus „Leave Home“ Mitte der 1990er Jahre zum ersten Mal auf einer Tanzfläche in einer Kneipe in Lower Haight hörte, haben die Chemical Brothers zu viele Rave-Knaller produziert an dieser Stelle überhaupt zu zählen. Es gibt einige einzelne Hüllen von Chemical Brothers, die mir gefallen, aber ich bin eher vom gesamten Katalog als einer einzigen, sich weiterentwickelnden Einheit beeindruckt. Über neun LPs in voller Länge und unzählige Singles haben sie ein Werk geschaffen, das in seiner Ausführung vielfältig, aber im Konzept einheitlich ist. Ihr markantes Logo ragt immer in einer Ecke des quadratischen Rahmens hervor, und die Bilder brechen das hypnotische, tranceauslösende Metrum der Musik. Chemische Beats für die Augen.

Als ich im Grunge-Splatter-Stil der frühen 1990er-Jahre als Designer erwachsen wurde, war ich geradezu darauf konditioniert, die Arbeit von Julian House für das in Großbritannien ansässige Studio Intro zu lieben. Auch wenn seine Hüllendesigns manchmal im Widerspruch zum sanfteren Summen von Bands wie Stereolab oder Broadcast standen, fand es in Primal Screams zähnefletschender, lautsprecherzerreißender Veröffentlichung aus dem Jahr 2000 eine perfekte Ergänzung. Kommen Sie für die beunruhigenden, schroffen Collagen; Bleiben Sie für den geschwärzten, vokalfreien Typ. PRML SCRM MTHR FCKR.

Selbst in einem übersättigten DIY-Musik-Underground durchbricht der ungewöhnliche Indie-Rock von Parquet Courts das übliche Feedback und Flair des Genres. Das gilt auch für ihre Albumcover, und Light Up Gold aus dem Jahr 2012 ist mein Favorit. Es handelt sich fast um Außenseiterkunst, die in Hülle und Fülle gegen Designregeln verstößt – geschwärzte Schrift, schlechte Bildqualität, durchgestrichene offizielle Songtitel mit Rotstift-Alternativen –, aber dennoch ein fesselndes Ganzes ergibt. Die naiven Illustrationen und handschriftlichen Schriftzüge, die sich auch auf der Rückseite und der Innenhülle verteilen, sind ein Grundnahrungsmittel des Indie-Rock. Aber Designer und Bandleader Andrew Savage kombiniert sie, um eine ganze – und völlig seltsame – Mythologie für die Band zu erschaffen. In der Tat ein Meister seines Fachs.

„Art of the Album“ ist ein regelmäßiger Beitrag, der sich mit der Kunstfertigkeit der Albumcover-Gestaltung befasst. Wenn Sie für die Serie schreiben oder mehr über unser Clio Music-Programm erfahren möchten, nehmen Sie bitte Kontakt mit uns auf.

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